2016

2016

DESI CIVERA

Ella no pot parar de moure’s. Les seues mans, inquietes i persistents, agafen amb força un pinzell i comença la màgia. És difícil seguir-li la mirada, i el seu pensament va més ràpid que els traços. Sempre alerta, va captant l’essència d’aquelles persones que ella decideix immortalitzar. Afortunats els que vam poder observar-nos i reconéixer-nos a través dels seus ulls. Ella pateix i estima i sent el mateix que els seus retratats. “He intentat capturar el que pensaven, sentien o s’imaginaven. Alguns ploraven, però també hi havia molts que reien.”

Ella no puede parar de moverse. Sus manos, inquietas y persistentes, cogen con fuerza un pincel y comienza la magia. Es difícil seguirle la mirada, y su pensamiento va más rápido que sus trazos. Siempre alerta, va captando la esencia de aquellas personas que ella decide inmortalizar. Afortunados los que pudimos observarnos y reconocernos a través de sus ojos. Ella sufre y ama y siente lo mismo que sus retratados. “He intentado capturar lo que pensaban, sentían o imaginaban. Unos lloraban, pero también había muchos que reían.”

Cintia Ramírez

2016

COHETE FERNÁNDEZ

«La curiositat va matar el gat», no obstant això és la clau del coneixement. Quan poses un peu a l'estudi de Cohete Fernández (Múrcia, 1989) es despleguen els interrogants, un carnestoltes grotesc d'objectes recorden l'art naïf d'Antonio Ligabue. Pateix de Diògenes o és una comediant? Ni tan sols ho sap, diu «no sé», però, també diu «m'agrada». Desastrosament ordenada, la cambra recull una infinitat de coses dispars, plantes, porcellanes, espills, monges fotografiades, llibres estranys, antiguitats, peces del fem i un gat sense pèl. Un festí coratjós d'objectes disposats per a agradar arrepleguen la lletjor de la millor manera possible i en compte de repercutir pertorbadors, et fan sentir confortable, com si de la sala d'estar d’El Bosco es tractara, un lloc on poder relaxar-se sense deixar de guaitar els perills de la carn.

«La curiosidad mató al gato», sin embargo es la clave del conocimiento. Cuando pones un pie en el estudio de Cohete Fernández (Murcia, 1989) se despliegan los interrogantes, un carnaval grotesco de objetos recuerdan el arte naif de Antonio Ligabue. ¿Sufre de diógenes o es una comediante? Ni siquiera lo sabe, dice , «no sé», pero también, dice «me gusta». Desastrosamente ordenada, la estancia recoge un sin fin de cosas dispares, plantas, porcelanas, espejos, monjas fotografiadas, libros extraños, antigüedades, piezas de la basura y un gato sin pelo. Un festín bizarro de objetos dispuestos para agradar recogen la fealdad de la mejor manera posible y en vez de repercutir perturbadores, te hacen sentir confortable, como si de la sala de estar del Bosco se tratara, un lugar donde poder relajarse sin perder de vista los acechantes peligros de la carne.

Letícia Marrades

2016

VICENTE TIRADO

Vicente Tirado (1967, Castelló de la Plana) dirigeix l’atenció, mitjançant els seus treballs fotogràfics, al paisatge com a símptoma del context social i econòmic del nostre temps. El territori convertit en la principal matèria primera de la qual obtenir riquesa, a vegades mitjançant l’explotació directa dels seus recursos i altres per l’apropiació dels seus valors simbòlics, com a promesa d’unes determinades qualitats amb què avalar la venda de productes.

Vicente Tirado (1967, Castellón de la Plana) dirige la atención, mediante sus trabajos fotográficos, al paisaje como síntoma del contexto social y económico de nuestro tiempo. El territorio convertido en la principal materia prima de la que obtener riqueza, a veces mediante la explotación directa de sus recursos y otras por la apropiación de sus valores simbólicos, como promesa de unas determinadas cualidades con las que refrendar la venta de productos.

José Luis Pérez Pont

2016

FELIPE PANTONE

En procurar-se el nom de la marca líder en la codificació cromàtica corporativa, Felipe Pantone deixa constància del seu interés per reflexionar sobre els processos homologadors de la comunicació global. Indaga en el potencial subversiu de minar els llenguatges artístics, científics i electrònics practicant la hibridació, apostant per la impuresa i el contagi de mitjans tipogràfics, figuratius i abstractes.

Al agenciarse del nombre de la marca líder en la codificación cromática corporativa, Felipe Pantone deja constancia de su interés por reflexionar sobre los procesos homologadores de la comunicación global. Indaga en el potencial subversivo de minar los lenguajes artísticos, científicos y electrónicos practicando la hibridación, apostando por la impureza y el contagio de medios tipográficos, figurativos y abstractos.

Anna Adell. Setdart

2015

2015

TRASHFORMACIONES

No va ser fins que vaig començar a conéixer l’obra de Pablo i Blas Montoya més a fons, que vaig reparar en aquesta idea. En comprendre la seua metodologia de treball, la seua font d’energia, el seu prisma sobre l’art i el protocol amb què actuen vaig comprendre també que l’objecte discursiu de la seua obra naix d’una necessitat humana per aferrar-se a la vida, no sols la nostra sinó també la de les nostres coses. Deia John Lennon que la vida és allò que ocorre mentre perseguim els nostres somnis. També, al meu parer, la vida és allò que deixem en els éssers estimats, però també en els nostres objectes. Aquest armari del iaio replet de roba poc usada o fins i tot sense estrenar, però que el defineixen per igual, i el mantenen viu d’alguna manera a pesar que porta anys en el cementeri. Quan ens desfem d’aquell armari, el iaio estarà realment mort, no abans.

No fue hasta que comencé a conocer la obra de Pablo y Blas Montoya más a fondo, que reparé en esta idea. Al comprender su metodología de trabajo, su fuente de energía, su prisma sobre el Arte y el protocolo con el que actúan comprendí también que el objeto discursivo de su obra nace de una necesidad humana por aferrarse a la vida, no sólo la nuestra sino también la de nuestras cosas. Decía John Lennon que la vida es aquello que ocurre mientras perseguimos nuestros sueños. También, en mi opinión, la vida es lo que vamos dejando en los seres queridos, pero también en nuestros objetos. Ese armario del abuelo repleto de ropa a medio usar o sin estrenar incluso, pero que lo definen por igual, y lo mantienen vivo de algún modo a pesar de que lleva años en el cementerio. Cuando nos deshagamos de ese armario, el abuelo estará realmente muerto, no antes.

Ángel Gil Cheza

2015

PAULA PRATS

Quotidianitat, intimisme i delicadesa es reflecteixen en l’obra de la fotògrafa valenciana Paula Prats. Composicions, paisatges i retrats. L’artista plasma el seu entorn, les seues vivències i la seua pròpia realitat. Observar les seues fotografies és sentir i deixar-se transportar a un món màgic que ella mateixa ha recreat detenint el temps. Tot al seu voltant es ralentitza i brinda a l’espectador la possibilitat d’admirar els xicotets detalls que s’escapen en el dia a dia; minuciositat i preciosisme al servei de l’ull humà. Prats fa perceptible l’imperceptible, eleva la bellesa dels elements que conformen les seues imatges, ja siguen paisatges o no. Qualsevol objecte o situació resplendeix gràcies al seu objectiu.

Cotidianeidad, intimismo y delicadeza se reflejan en la obra de la fotógrafa valenciana Paula Prats. Composiciones, paisajes y retratos. La artista plasma su entorno, sus vivencias y su propia realidad. Observar sus fotografías es sentir y dejarse transportar a un mundo mágico que ella misma ha recreado deteniendo el tiempo. Todo a su alrededor se ralentiza, brindando al espectador la posibilidad de admirar los pequeños detalles que se escapan en el día a día; minuciosidad y preciosismo al servicio del ojo humano. Prats hace perceptible lo imperceptible, eleva la belleza de los elementos que conforman sus imágenes, ya sean paisajes o no. Cualquier objeto o situación resplandece gracias a su objetivo.

Irene Gras Cruz

2015

NELO VINUESA

Les referències de la pintura de Nelo Vinuesa a les dinàmiques del joc es presenten des de l’inici com a nivells o pantalles oferides solapadament. És un joc que disposa d’unes regles molt sofisticades i els components del qual només podrien ser híbrids. Sobre la superfície apareixen registres molt diversos, resultants tant de la capacitat tècnica per a simular elements reals, com per l’aparició de símbols clàssics realitzats de manera sintètica, que aconsegueixen reelaborar i actualitzar també el seu significat. Els fons de pintura acrílica serveixen de base a una successió de siluetes realitzades amb vinil de colors plans que actuen com a personatges en un camp de joc (o de batalla) sense referències humanes concretes.

Las referencias de la pintura de Nelo Vinuesa a las dinámicas del juego se presentan desde el inicio como niveles o pantallas ofrecidas solapadamente. Es un juego que dispone de una reglas muy sofisticadas y cuyos componentes sólo podrían ser híbridos. Sobre la superficie aparecen registros muy diversos, resultantes tanto de la capacidad técnica para simular elementos reales, como por la aparición de símbolos clásicos realizados de manera sintética, consiguiendo reelaborar y actualizar también su significado. Los fondos de pintura acrílica sirven de base a una sucesión de siluetas realizadas con vinilo de colores planos que actúan como personajes en un campo de juego (o de batalla) sin referencias humanas concretas.

Álvaro de los Ángeles

2015

BORONDO

En la primavera del 2011 vaig poder entrevistar-lo. Em va contar la seua vida i va insistir en la idea de recórrer, en estar al carrer, en la seua manera d’expressar-se com una recerca permanent, una deriva i una troballa casual. En les seues paraules s’aglutinaven savieses de tots els moviments artístics precedents, però eren savieses innates. Formes de viure, i en viure pintar, com alguna cosa orgànica, intrínseca a la quotidianitat, natural, com quelcom que sorgeix perquè ha de ser així: “Vaig dibuixar tota la meua vida, tinc dèficit d’atenció i m’he dedicat tota la meua vida a no escoltar el professor i dibuixar en el quadern. Conserve alguns. Veus l’inconscient del xiquet. Sempre em vaig fixar en les pintades del carrer, no sé perquè. Crec que hi ha gent que es fixa i una altra que no es fixa.”

En la primavera del 2011 pude entrevistarlo. Me contó su vida e insistió en la idea de recorrer, en el estar en la calle, en su modo de expresarse como una búsqueda permanente, una deriva y un hallazgo casual. En sus palabras se aglutinaban sabidurías de todos los movimientos artísticos precedentes, pero eran sabidurías innatas. Formas de vivir, y al vivir pintar, como algo orgánico, intrínseco a lo cotidiano, natural, como algo que surge porque tiene que ser así: “Dibujé toda mi vida, tengo déficit de atención y me he dedicado toda mi vida a no escuchar al profesor y dibujar en el cuaderno. Conservo alguno que otro. Ves el inconsciente del niño. Siempre me fijé en las pintadas de la calle, no se porque. Creo que hay gente que se fija y otra que no se fija.”

Gloria G. Duran

2014

2014

MARÍA HERREROS
I JORGE HERRERO

Guatiné

Palabra tierna de semblante calentito, cuerpo afelpado y textura entrañable que, sin embargo, esconde un tono altivo y fanfarrón en el hall de un distinguido restaurante francés. Si se pronuncia con firmeza frente a un jurado popular puede sonar a confesión concluyente, con murmullos de asombro por parte del público. Según el contexto, servir en copa de champagne o en mesa camilla con estufa de resistencia eléctrica.

Chancleta

Masticable en boca y pegajosa al oído. Aroma de risas, pataleo y aplauso de foca. Cuerpo achatado, mórbido, que se engancha a la lengua, choca contra los dientes y estalla como pompa de chicle. Tonos azul celeste, verde kiwi y rosa fucsia con chispas de arena entre los dedos de los pies.

Bolinche

Sustantivo pelirrojo y rechoncho, con la cara llena de pecas y una de esas gorritas de colores que llevan hélice. En el paladar resulta inocentón, aunque tiene una sonrisa de pillo que no se la quita ni Dios. Aroma a tirachinas, rana en bote y cabaña en el árbol, con un puntito de barro en la suela. Retrogusto latinoamericano con predominio de frijoles y disparos al aire.

Disparate

Buen boca a boca. Término nómada circense que viaja en carromato zíngaro. Su gran número consiste en saltar a una ridícula piscina de goma desde lo alto de un trampolín. En los labios desprende un ligero, casi imperceptible, regustillo a quiosco de barrio, de esos que colocan cuidadosamente los coleccionables a ras de suelo. Suaves matices a pistola de agua, toldo de heladería y nariz roja de payaso con zapatones de pega. Consejo: Pronunciar con acento mexicano para más inri o en argentino para invitar al suicidio.

És un experiment absurd o no, que consisteix a xuplar la closca de les paraules i tirar el que hi ha dins. Per descomptat que no hi ha cap base científica pel mig. Ací no hi ha normes ni manuals d’ús; no importa el context de l’oració o l’etimologia de les paraules. L’aspecte realment atractiu és jugar amb aquestes, ficar-se-les a la boca i tancar els ulls per a sentir com es desfan fins a perdre’n el significat original. El resultat és una acurada selecció de paraules delicioses pel seu significant, no pel seu significat, que ofereix al lector una nova perspectiva del llenguatge i un altre passatemps estúpid per a les vesprades de diumenge. I açò? Per quins cinc sous? Perquè tot va començar amb una sola paraula: xancleta. Es va colar descaradament en una conversa en què no pintava res i, com qui no vol la cosa, va acabar convertint-se en el centre d’atenció. Xancleta. Sonava graciosa, masticable, així que la repetim diverses vegades i hi aportem sempre matisos nous. La cosa va esdevenir tan seriosa que quan ens en vam adonar n’estàvem analitzant la textura, el sabor i fins i tot l’aroma, tot ignorant aquell objecte de cautxú que ara tens al pensament. Llavors vam tenir una minúscula revelació, un secret tan mal guardat que qualsevol se’n podria haver adonat: les paraules porten una doble vida.

Es un experimento absurdo o no, que consiste en chupar la cáscara de las palabras y tirar lo de dentro. Desde luego que no existe ninguna base científica de por medio. Aquí no hay normas ni manuales de uso; no importa el contexto de la oración o la etimología de las palabras. Lo realmente atractivo es jugar con ellas, echárselas a la boca y cerrar los ojos para sentir cómo se deshacen hasta perder su significado original. El resultado es una cuidada selección de palabras deliciosas por su significante, no por su significado, que ofrece al lector una nueva perspectiva del lenguaje y otro pasatiempo estúpido para esas tardes de domingo. ¿Y esto? ¿A santo de qué? Pues todo comenzó con una sola palabra: chancleta. Se coló descaradamente en una conversación en la que no pintaba nada y con la tontería terminó por convertirse en el centro de atención. Chancleta. Sonaba graciosa, masticable, así que la repetimos varias veces, aportando siempre matices nuevos. Tan en serio iba la cosa que cuando nos dimos cuenta estábamos analizando su textura, su sabor y hasta su aroma, ignorando a ese objeto de caucho que ahora tienes en mente. Entonces tuvimos una minúscula revelación, un secreto tan mal guardado que cualquiera podría haberse dado cuenta: las palabras llevan una doble vida.

Jorge Herrero

2014

ANA SANSANO

Les nostres sensacions, les nostres vivències estan lligades a una imatge aleatòria i intranscendent que la memòria arxiva juntament amb els nostres records. Que siguen unes i no altres les que duraran potser depén d’un sentit tan misteriós com el motiu que porta Ana Sansano a triar l’un o l’altre racó de l’univers. El que està clar és que perduren. I es queden en el revers de la retina com a retalls fora de perill del naufragi de l’oblit. Potser també les línies que traça la pintora en el paper són camins: altura i longitud del grafit en busca de la profunditat tridimensional. Tan reals que pareixen tangibles. Que fins i tot es puga reconéixer el moment del dia o l’època de l’any en què el sol projecta aquelles ombres en aquella vessant.Quadres que ens fan coses, que tenen vida, que ens porten a aquesta. Com si haguérem estat allí. Hi vam estar? Pintem quadres i escrivim llibres per a intentar comprendre el món, per a desxifrar-lo. Pintem i escrivim pensant que tot allò ens farà comprendre millor el buit. Però darrere del vers, darrere del traç no hi ha res.

Nuestras sensaciones, nuestras vivencias están ligadas a una imagen aleatoria e intrascendente que la memoria archiva junto a nuestros recuerdos. Que sean unas y no otras las que durarán quizás depende de un sentido tan misterioso como el motivo que lleva a Ana Sansano a elegir uno u otro rincón del universo. Lo que está claro es que perduran. Y se quedan en el reverso de la retina como retales a salvo del naufragio del olvido. Quizás también las líneas que traza la pintora en el papel sean caminos: altura y longitud del grafito en busca de la profundidad tridimensional. Tan reales que parezcan tangibles. Que hasta se pueda reconocer el momento del día o la época del año en la que el sol suele proyectar esas sombras en esa ladera. Cuadros que nos hacen cosas, que tienen vida, que nos llevan a ella. Como si hubiéramos estado allí ¿Estuvimos? Pintamos cuadros y escribimos libros para intentar comprender el mundo, para descifrarlo. Pintamos y escribimos pensado que todo aquello nos va a hacer comprender mejor el vacío. Pero detrás del verso, detrás del trazo no hay nada.

Lola Mascarell

2014

RAÚL PÉREZ

Una vegada li vaig preguntar: quina és la connexió d’aquesta cronologia de registres sense desig d’acabar? “La qualitat del meu descobriment” em va dir somrient, envoltat de papers, càmeres i dubtes en la seua veu. La por de la conclusió de les seues accions va crear la seua forma d’expressar-se, usant el llenguatge de la imatge com a mitjà. Días de él és una conversació contínua amb ell mateix i amb els llocs que freqüenta, una manera de comunicar i registrar els seus records i sensacions reflectits en persones, objectes, gestos, formes i colors. Records familiars o records inventats, tots ells connectats a un mateix sentiment de reflexió i comprensió sobre allò que el circumda. I sense intencions, aquests dies es converteixen en una excusa per a aproximar-se (o allunyar-se) el màxim possible a aquest subjecte, per a entendre’l i tenir-lo prop, tan prop que d’aquesta manera aconseguesca romandre en ell. Aquesta mateixa por d’acabar és el que li impedeix trobar el significat de tots els seus actes. I així, aquelles velles inseguretats i incerteses naturals de la seua agitació cedeixen el pas a la precisió de la presa i d’un palpable registre fotogràfic.
 
Una vez le pregunté: ¿cuál es la conexión de esta cronología de registros sin deseo de terminar? ‘La calidad de mi descubrimiento’ me dijo sonriendo, rodeado de papeles, cámaras y dudas en su voz. El miedo a la conclusión de sus acciones creó su forma de expresarse, usando el lenguaje de la imagen como medio. Días de él es una conversación continua con él mismo y con los lugares que frecuenta, una manera de comunicar y registrar sus recuerdos y sensaciones reflejados en personas, objetos, gestos, formas y colores. Recuerdos familiares o recuerdos inventados, todos ellos conectados a un mismo sentimiento de reflexión y comprensión sobre lo circundante. Y sin intenciones, estos días se convierten en una excusa para aproximarse (o alejarse) lo máximo posible de ese sujeto, para entenderlo y tenerlo cerca, tan cerca que de esta manera consiga permanecer en él. Ese mismo miedo a terminar es el que le impide encontrar el significado de todos sus actos. Y así, esas viejas inseguridades e incertezas naturales de su agitación, ceden el paso a la precisión de la toma y de un palpable registro fotográfico.
 
Daniel Machado

2014

SAM3

Com una caixa negra (Bruno Latour), les composicions de Sam3 requereixen exercir un procés de desencriptació. Déiem que la seua senzillesa és aparent i que tanquen una complexitat semàntica que ens obliga a aplicar-ne una lectura activa per a comprendre allò que potser la seua rotunditat visual fa invisible. Aquesta voluntat que ha de practicar el que mira i llig és paral·lela a la necessitat actual de prendre partit per a posicionar-nos i interrogar de manera general les estructures de l’ordre del nostre espai i vida en comú. A l’abric dels últims esdeveniments polítics, de les onades d’indignació i resistència que entrecreuen tants pobles, sentim la conformació d’una nova organicitat política i social que rema en aigües aparentment serenes. La normalitat, terrible paraula que aplana la realitat i la seua diversitat, és l’ortopèdia que corregeix i tracta d’evitar la divergència. Ens aturem davant de la Voluntas que Sam3 va fixar a Vila-real i emergeixen preguntes que ens conviden a pensar en el nosaltres. Som remers i timoners o mers passatgers de la nau? Som conduïts o conduïm aquesta força oculta però enèrgica? La nostra ruta és d’arribada o d’èxode?

Como una “caja negra” (Bruno Latour), las composiciones de Sam3 requieren ejercer un proceso de des-encriptación. Decíamos que su sencillez es aparente y que encierran una complejidad semántica que nos obliga a aplicar una lectura activa de ellas para comprender aquello que quizás su rotundidad visual invisibiliza. Esta voluntad que debe practicar el que mira y lee es paralela a la necesidad actual de tomar partido para posicionarnos e interrogar de manera general las estructuras del orden de nuestro espacio y vida en común. Al calor de los acontecimientos políticos últimos, de las olas de indignación y resistencia que entrecruzan tantos pueblos, sentimos la conformación de una nueva organicidad política y social que rema en aguas aparentemente serenas. La “normalidad”, terrible palabra que aplana lo real y su diversidad, es la ortopedia que corrige y trata de evitar la divergencia. Nos detenemos ante la Voluntas que Sam3 fijó en Vila-real y emergen preguntas que nos invitan a pensar en el “nosotros”. ¿Somos remeros y timonel o meros pasajeros de la nave? ¿Somos conducidos o conducimos esa fuerza oculta pero enérgica? ¿Es nuestra ruta de llegada o de éxodo?

Antonio Alcaide

2013

XIMO ORTEGA

L’escultura de Ximo Ortega és una metàfora del domini exercit sobre la naturalesa, idea producte d’una convenció, de les desavinences emanades de l’estructuració de les nostres formes de vida. Així revela la fractura entre qualsevol realització arquitectònica efectivament real i la utòpica imatge de sentir-se a casa en el món, mostrant els clivells d’una societat despersonalitzada en la qual la política de producció dels espais i les formes de construir i habitar es revelen en el fons com a elements purament especulatius i de trets econòmics que ben sovint adopten la forma d’allò salvatge. Els individus contemporanis no habitem, sobrevivim, busquem la provisionalitat, tasca de la nostra actual perspectiva de consum a què Ximo Ortega al·ludeix amb un punt de vista radicalment crític. Els seus espais arquitectònics es desestabilitzen i la seua funció genera un desacord entre els termes habitatge i llar, habitant i subjecte. La casa pareix un fardell que lliga i sotmet l’individui l’inscriu en un procés de rígida socialització, de domesticació.

La escultura de Ximo Ortega, es una metáfora del dominio ejercido sobre la naturaleza, idea producto de una convención, de las desavenencias emanadas de la estructuración de nuestros modos de vida. Así revela la fractura entre cualquier realización arquitectónica efectivamente real y la utópica imagen de sentirse en casa en el mundo, mostrando las grietas de una sociedad despersonalizada en la que la política de producción de los espacios, y las formas de construir y habitar, se revelan en el fondo como elementos puramente especulativos y de rasgos económicos que con frecuencia adoptan la forma de lo salvaje. Los individuos contemporáneos no habitamos, sobrevivimos, buscamos la provisionalidad, tarea de nuestra actual perspectiva de consumo a la que Ximo Ortega alude con una perspectiva radicalmente crítica. Sus espacios arquitectónicos se desestabilizan, y su función genera un desencuentro entre los términos de vivienda y hogar, habitante y sujeto. La casa parece un fardo que ata y somete al individuo y lo inscribe en un proceso de rígida socialización, de domesticación.

Marina Pastor

2013

PAULA BONET

Posseïdora d’un claríssim do per al dibuix, les seves creacions ja ostenten una marca pròpia que parla totes les llengües, atrau totes les mirades i sedueix els cors d’arreu del món. Ella és inconfusible, irrepetible i universal. Les imatges seleccionades per a aquesta exposició, no obstant, tenen més en comú que un estil fresc o una tècnica exquisida. Perquè en aquest cas, sí, cal prendre-s’ho com un assumpte personal. Totes elles estan inspirades en les vivències de laPaula Bonet i juntes conformen un retrat del seu univers interior, descobrint-nos una autèntica transformista de l’expressió artística, capaç d’adoptar les pells que calgui per posar en ordre allò que li cou a la pròpia carn. I és que per a explicar els seus sentiments, les seves angoixes i aquells fets que l’han fet créixer o que d’alguna manera o una altra l’han canviat per deixar de ser la mateixa, la Paula Bonet despulla els seus enigmes vestint-los amb llapis de grafit, colors, aquarel·les, acrílics i tinta xina. Així, davant nostre, es menja un llop, es disfressa d’ocell, paladeja un iogurt o abraça una ombra.

Poseedora de un clarísimo don para el dibujo, sus creaciones ya ostentan una marca propia que habla cualquier idioma, atrae todas las miradas y seduce los corazones de medio mundo. Ella es inconfundible, irrepetible y universal. Las imágenes seleccionadas para esta exposición, no obstante, tienen en común más que un estilo fresco o una técnica exquisita. Porque en este caso, sí, se trata de un asunto personal. Todas están inspiradas en las vivencias de PaulaBonet y juntas conforman un retrato de su universo interior, descubriéndonos a una auténtica transformista de la expresión artística, capaz de adoptar cuantas pieles haga falta para poner en orden todo aquello que le escuece en carne propia. Y es que para explicar los sentimientos, angustias y sucesos que le han hecho crecer o que, de una manera u otra, le han cambiado, Paula Bonet desnuda sus enigmas vistiéndolos con lápices de grafito, colores, acuarelas, acrílicos y tinta china. Así, delante nuestro, engulle un lobo, se disfraza de pájaro, saborea un yogur o abraza una sombra.

Maria Leach

2013

CLARA BLEDA

Clara Bleda capta instantànies de quotidianitat, reflex del pas del temps i les seues relacions, de les connexions i interaccions de la ciutat amb els seus habitants, i ho fa mitjançant el llenguatge de comunicació urbana, detenint el temps en les seues fotografies. Bleda desenvolupa aquest llenguatge després de buscar els seus referents en els pioners del color, però sempre sota una mirada entremaliada. Ser fotògrafa professional pot paréixer una labor entremaliada --per usar l’expressió pop de Diane Arbus-- en la qual les càmeres són màquines que fabriquen fantasies i creen addicció. Les seues obres capten i reflecteixen els detalls transformant l’essència dels seus protagonistes, alliberant-les de l’anonimat. La càmera analògica li permet captar imatges amb un tractament de pel·lícula que li aporta una textura cinematogràfica a les seues sèries, revelant un estil que destaca per una estètica tipogràfica, caracteritzada per la frontalitat i l’atemporalitat. Bleda juga amb la percepció i la tensió entre els aspectes més ínfims --que passen desapercebuts davant dels nostres ulls-- i els grans signes identificables i presents en la ciutat.

Clara Bleda capta instantáneas de cotidianeidad, reflejo del paso del tiempo y sus relaciones, de las conexiones e interacciones de la ciudad con sus habitantes, y lo hace mediante el lenguaje de comunicación urbana, deteniendo el tiempo en sus fotografías. Bleda desarrolla este lenguaje tras buscar sus propios referentes en los pioneros del color, pero siempre bajo una mirada traviesa. Ser fotógrafa profesional puede parecer una labor ‘traviesa’ --por usar la expresión pop de Diane Arbus-- en la que las cámaras son máquinas que fabrican fantasías y crean adicción. Sus obras captan y reflejan los pormenores transformando la esencia de sus protagonistas liberándolas del anonimato. La cámara analógica le permite captar imágenes con un tratamiento de película que le aporta una textura cinematográfica a sus series, revelando un estilo que destaca por una estética tipográfica, caracterizada por la frontalidad y la atemporalidad. Bleda juega con la percepción y la tensión entre los aspectos más ínfimos —que pasan desapercibidos ante nuestros ojos— y los grandes signos identificables y presentes en la ciudad. 

Irene Gras

2013

CHEMA LÓPEZ

Dins de la sèrie genèrica Sobre héroes y tumbas, Chema López va realitzar a partir de 2010 un grup de dibuixos (Libros blancos de temas oscuros, Duelo, Diseño gráfico) on es retraten portades de llibres o les seues pàgines interiors. La relació entre el títol dels llibres, el seu contingut literari o assagístic, i la sèrie general des d’on sorgeixen, amplia la interpretació sobre l’obra de l’artista, sempre reflexionant sobre els conceptes del mal, del maligne i el seu contrapunt ètic. En concret, el titulat Diseño gráfico mostra una doble pàgina repleta de representacions de creus gammades. La indicació del contingut al títol del dibuix ens alerta de les diferents cares que adopta la representació de l’estètic. El títol general d’aquesta exposició “Un blanco oscuro”, remet al joc de conceptes que estan presents en la seua sòlida trajectòria artística, pel qual se sotmet a l’espectador a complir la doble funció de ser espectador i intèrpret d’un mateix contingut. Després de l’atent recorregut visual per qualsevol de les obres de C. López, s’accepta la constatació d’haver aprés un poc més a mirar el que et circumda.

Dentro de la serie genérica Sobre héroes y tumbas, Chema López realizó a partir de 2010 un grupo de dibujos (Libros blancos de temas oscuros, Duelo, Diseño gráfico) donde se retratan portadas de libros o sus páginas interiores. La relación entre el título de los libros, su contenido literario o ensayístico, y la serie general desde donde surgen, amplía la interpretación sobre la obra del artista, siempre reflexionando sobre los conceptos del mal, de lo maligno y su contrapunto ético. En concreto, el titulado Diseño gráfico muestra una doble página repleta de representaciones de cruces gamadas. La indicación del contenido al título del dibujo nos alerta de las diferentes caras que adopta la representación de lo estético. El título general de esta exposición Blanco oscuro, remite al juego de conceptos que están presentes en su sólida trayectoria artística, por el que se somete al espectador a cumplir la doble función de ser espectador eintérprete de un mismo contenido. Tras el cuidado recorrido visual por cualquiera de las obras de C. López, se acepta la constatación de haber aprendido un poco más a mirar lo circundante.

Álvaro de los Ángeles

2013

ESCIF

Voldria fer una xicoteta reflexió sobre el contingut d’aquesta publicació: il·lustrar el vandalisme mitjançant el dibuix d’unes figures innòcues en un mur vell de Vila-real no deixa de ser un acte reivindicatiu que invita a la reflexió en defensa dels interessos generals; però no oblidem que, com diria Magritte, “Ceci n’est pas” un acte vandàlic, és tan sols la seua representació… i la interpretació és lliure. Els murs pintats tenen, al meu entendre, valor d’obres d’art i com a tals han de ser revolucionaris (capaços de remoure consciències). Escif sol dir que el més important de les seues pintures és el que no es veu directament als murs. El fet important és l’observador: la persona que enfront del mural té la voluntat de veure més enllà de les imatges (grafits) i, amb independència de la qualitat de les formes dibuixades, és capaç d’interpretar-ne subjectivament el rerefons. Perquè l’important del cas no serien les imatges, sinó qui les observa. Per a acabar, i recordant novament Magritte, els diria que les imatges que el lector té entre les seues mans no són grafits, només són el registre visual de la mirada de l’artista a través de la fotografia dels seus dibuixos i, per tant, estan subjectes a la valoració subjectiva dels seus observadors. No els parlaré més de l’obra d’Escif: tan sols els invite que passen, miren i, si és possible, vegen.

Quisiera hacer una pequeña reflexión sobre el contenido de esta publicación: ilustrar el “vandalismo” mediante el dibujo de unas figuras inocuas en un viejo muro de Vila-real, no deja de ser un acto reivindicativo que invita a la reflexión en defensa de los intereses generales; pero no olvidemos que, como diría Magritte, “Ceci n’est pas” un acto vandálico, es tan solo su representación…y la interpretación es libre. Los muros pintados tienen, a mi juicio, valor de obras de arte y como tales han de ser revolucionarios (capaces de remover conciencias). Escif suele decir que lo más importante de sus pinturas es lo que no se ve directamente en los muros. Lo importante es el observador: la persona que frente al mural tiene la voluntad de ver más allá de las imágenes (grafitos) y, con independencia de la calidad de las formas dibujadas, es capaz de interpretar subjetivamente su trasfondo. Porque lo importante no serían las imágenes sino quien las observa. Para terminar y, recordando de nuevo a Magritte, les diría que las imágenes que el lector tiene entre sus manos no son Graffitis, solo son el registro visual de la mirada del artista a través de la fotografía de sus dibujos y, por tanto, están sujetas a la valoración subjetiva de sus observadores. No les voy a hablar más de la obra de Escif: tan solo les invito a que pasen, miren y, si es posible, “vean”.

Íñigo Magro de Orbe